APRECIACIÓN ARTÍSTICA 1

las 7 artes
arquitectura
la arquitectura es el arte y la técnica de proyectar y construir edificios. El concepto procede del latín architectūra que, a su vez, tiene origen en el griego.Puede decirse que la arquitectura se encarga de modificar y alterar el ambiente físico para satisfacer las necesidades del ser humano. Los arquitectos no sólo se encargan de desarrollar construcciones en función de su forma y utilidad, sino que también siguen preceptos estéticos. Por eso, la arquitectura suele ser considerada como una de las bellas artes.En la actualidad, la arquitectura está principalmente asociada al diseño de espacios que sirven como vivienda. La construcción de casas y edificios forma parte de la actividad más frecuente del arquitecto, quien debe tener en cuenta una gran cantidad de preceptos a la hora de desarrollar sus proyectos. Las obras deben levantarse de modo seguro y respetando las condiciones medioambientales.




música

 La música no sólo es un arte al que muchas personas recurren para llenar su vida de felicidad, también existen acciones terapéuticas que utilizan la música como elemento, la musicoterapia es una de ellas. Consiste en una aplicación científica del sonido, la música y el baile a través de un tratamiento que intenta integrar lo cognitivo, lo emocional y lo motriz, que libera los malos sentimientos y permite encontrarse con la energía propia de cada ser, ayudando a mejora la comunicación, la expresión individual y la integración social. La musicoterapia se utiliza en caso de enfermedad o disfuncionalidad física o social, para que un individuo se rehabilite y reeduque emocional, intelectual y motrizmente.


Con el paso del tiempo se desarrollaron cientos de teorías para explicar el sentido de la música, lo que nadie puede explicar con certeza es qué tienen los sonidos que pueden tocarnos el sistema nervioso y emocionarnos a puntos que ninguna otra cosa puede hacerlo. La música tiene por ende mucho de misterio, de magia, y presenta para nosotros un mundo que no somos totalmente capaces de comprender pero al que llegamos una y otra vez de forma irremisible.La música con sus sonidos posee tres componentes que la vuelven única: el sonoro, el temporal y el intelectual. El sonoro se encuentra representado por los sonidos unidos de una forma específica, el temporal tiene que ver con el momento puntual en el que deben ser representados y ejecutados los sonidos y el intelectual tiene que ver con la influencia que puede causar un determinado movimiento sonoro en un individuo, influyendo en su estado de ánimo y modificando a través de él otros aspectos de su vida. Posiblemente en la comprensión de estos tres componentes a fondo esté la respuesta que buscamos, el por qué tenemos esa increíble necesidad de hacer o escuchar música.







pintura

Entre los múltiples tipos de pinturas, pueden mencionarse a los barnices, los esmaltes, los selladores, los entona dores y las lacas. Su utilidad dependerá de la superficie en que se planea aplicar la pintura. Cabe destacar que cada pintura, a su vez, está compuesta por diversos productos, como pigmentos, disolventes, plastifican tes y aglutinantes.
Las creaciones de los artistas que se expresan en lienzos o láminas también se conocen como pinturas. Por ejemplo: “Mi tía nos regaló una pintura de barcos para decorar la casa”, “La Mona Lisa es mi pintura preferida”, “Esta tarde voy a acompañar a Juan al museo ya que quiere ver la nueva exposición de pinturas”.La pintura, por otra parte, es el arte que consiste en la representación gráfica a partir de la utilización de pigmentos y otras sustancias. Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Rembrandt y Vincent van Gogh son algunos de los pintores artísticos más famosos de la historia.

literatura

la palabra literatura proviene del término latino litterae, que hace referencia a la acumulación de saberes para escribir y leer de modo correcto. El concepto posee una relación estrecha con el arte de la gramática, la retórica y la poética.El segundo género que se encuentra en la literatura es el épico. En él se incluyen los libros que se sustentan en la narrativa y que nos acercan la figura de personajes reales o ficticios que han vivido hechos legendarios. Entre estos citados trabajos se pueden incluir novelas, cuentos o relatos, entre otros. Un ejemplo de este tipo podría ser El Quijote de Miguel de Cervantes.Es importante destacar que el origen de la escritura no marcó el inicio de la literatura. Los textos sumerios y algunos jeroglíficos egipcios, considerados como los escritos más antiguos de los que se tengan registros, no pertenecen al ámbito de la literatura.

En cuanto a la literatura en español, sus orígenes se remontan al siglo X con las Glosas Eminenses y al siglo siguiente con las Jarchas, un conjunto de breves composiciones líricas de carácter amoroso.






danza
la danza es la acción o manera de bailar. Se trata de la ejecución de movimientos al ritmo de la música que permite expresar sentimientos y emociones. Se estima que la danza fue una de las primeras manifestaciones artísticas de la historia de la humanidad.La danza implica la interacción de diversos elementos. El movimiento del cuerpo requiere de un adecuado manejo del espacio y de nociones rítmicas. La intención del bailarín es que sus movimientos acompañen a la música. Por ejemplo: un música de ritmo lento y tranquilo requiere de pasos de danza pausados y poco estridentes. La expresión corporal también se apoya en la vestimenta utilizada durante la danza.
Las coreografías adquieren mayor relevancia en los espectáculos de danza donde bailarines profesionales suben a un escenario con la intención de montar una obra artística. Las danzas rituales o los bailes informales, en cambio, no suelen seguir ningún tipo de coreografía. En estos casos, cada bailarín elige con total libertad los pasos a seguir.

escultura

Escultura es el arte de modelar, tallar y esculpir en barro, piedra, madera, metal u otra materia conveniente, representando en volumen, figuras de personas, animales u otros objetos de la naturaleza o el asunto y composición que el ingenio concibe.
Se llama también escultura a la obra hecha por un escultor.
El origen de la escultura puede explicarse considerando cuán natural es en el hombre la tendencia a imitar, en volumen, las formas de la naturaleza y qué espontáneo placer experimenta el alma humana en la rítmica combinación de la línea y la masa.
Este arte ha creado en el curso de su historia, dos clases de belleza: la imitativa y la imaginativa.Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado. Dentro de la escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo repertorio artístico, que comprende procesos como el constructivismo y el assemblage. En un sentido genérico, se entiende por escultura la obra artística plástica realizada por el escultor.

cine

Se llama cine o cinematografía a la tecnología que reproduce fotogramas de forma rápida y sucesiva creando la llamada “ilusión de movimiento”, es decir, la percepción visual de que se asiste a imágenes que se mueven. También se le dice cine al edificio o sala donde se proyectan las películas. El término tiene la misma raíz griega que otras palabras como cinética, kinesiología y otras que se relacionan con el movimiento.En el año 1995 el cine cumplió cien años, luego de que un 28 de diciembre de 1895 los hermanos Lumière proyectaran el primer film que reproducía la salida de los obreros de una fábrica francesa en Lyon. Desde entonces, el cine ha atravesado diferentes períodos, desde la etapa muda hasta el comienzo del cine sonoro, desde el cine no narrativo hasta el cine de géneros y así en adelante. Esta evolución reconoce ciertos hitos específicos que han representado verdaderos cambios históricos; sin dudas, el primero de ellos consistió en la incorporación del sonido, en especial de voces humanas y música, sin olvidar los efectos sonoros. El segundo impacto de alta relevancia consistió en la posibilidad de incorporar color y abandonar el estilo tradicional de proyecciones en blanco y negro. Finalmente, la aparición de tecnologías digitales ha sido el tercer golpe de efecto en la historia del cine, que ha permitido la generación de imágenes sorprendentes en el marco de un cambio notable de los costos.

conceptos

estética: Estética es un término con diferentes acepciones. En el lenguaje coloquial denota en general lo bello, y en la filosofía tiene diversas definiciones: por un lado es la rama que tiene por objeto el estudio de la esencia y la percepción de la belleza, por otro lado puede referirse al campo de la teoría del arte, y finalmente puede significar el estudio de la percepción en general, sea sensorial o entendida de manera más amplia. 
arte:El arte (del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη)^[1] es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.^[2] El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o religiosa (arte paleolítico), pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.


belleza:Belleza es una noción abstracta ligada a numerosos aspectos de la existencia humana. Esto es estudiado principalmente por la disciplina filosófica de la estética, pero también es abordado por otras disciplinas como la Vulgarmente la belleza se define como la característica de una cosa que a través de una experiencia sensorial (percepción) procura una sensación de placer o un sentimiento de satisfacción. En este sentido, la belleza proviene de manifestaciones tales como la forma, el aspecto visual, el movimiento y el sonido, aunque también se la asocia, en menor medida, a los sabores y los olores. En esta línea y haciendo hincapié en el aspecto visual,  define lo bello como aquello que agrada a la vista (quae visa placet). La percepción de la «belleza» a menudo implica la interpretación de alguna entidad que está en equilibrio y armonía con la naturaleza, y puede conducir a sentimientos de atracción y bienestar emocional. Debido a que constituye una experiencia subjetiva, a menudo se dice que «la belleza está en el ojo del observador.
objeto artístico:
artesanía:Artesanía se refiere tanto al trabajo del artesano (normalmente realizado de forma manual por una persona sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones), como al objeto o producto obtenido en el que cada pieza es distinta a las demás. La artesanía como actividad material se suele diferenciar del trabajo en serie o industrial.

Jose  Luis Cuevas

1934 (Ciudad de México)

Dibujante grabador, escultor e ilustrador nacido en la Ciudad de México en el año de 1934, de formación esencialmente autodidacta. La figura más extrovertida de la Generación de Ruptura, Jose Luis Cuevas cobra notoriedad gracias al manifiesto conocido como la Cortina de Nopal (publicado en el Suplemento México en la Cultura del periódico Novedades entre 1957 y 1959). En esa serie de artículos da a conocer su ideario estético, basado en la libertad de expresión tanto formal como temática entre los artistas jóvenes que querían alejarse de la Escuela Mexicana de Pintura, particularmente del amoralismo y de su entonces ya anacrónico mensaje de contenido político y social. Esa postura anti conformista culmina con la realización de un Mural Efímero (término contradictorio con el que satiriza las pretensiones de continuidad de ese movimiento). El acto tiene lugar en una concurrida esquina de la Zona Rosa, conocido barrio capitalino, que en sus inicios fuera punto de reunión de intelectuales y artistas, bautizado por él con ese nombre. Dicho happening revela sus enormes dotes auto-publicitarias pues levanta gran revuelo entre los asistentes, siendo amplia-mente comentado por la prensa nacional y extranjera.
Expresionista por influencia de José Clemente Orozco lo mismo que por una ferocidad gestual que nos recuerda a la estatuaria prehispánica -particularmente mexica- es la obra en su primera etapa. Hacia la década de los 60 se revela como uno de los más prestigiosos litógrafos contemporáneos, gracias a las series hechas en los Estados Unidos: Recollections of Childhood (1962) y Cuevas Charenton (1964), en Los Angeles; Crime by Cuevas en Nueva York (1968) y Homage to Quevedo (1969) en San Francisco. La literatura ha permeado su obra desde que ilustró Los Mundos de Kafka y Cuevas (Filadelfia: Falcon Press, 1957), libro de lujo considerado como un valioso aporte a la bibliofilia contemporánea. Uno de los grandes representantes del neofigurativismo, forma parte también de la corriente interiorista, a favor de un arte más inclinado hacia la problemática existencial, con una visión neohumanista. En los años 70 consolida su presencia como una de las más originales y polémicas personalidades de la cultura contemporánea mexicana. No obstante, al sentirse incomprendido se autoexilia en Francia, donde reafirma su prestigio con la gran retrospectiva de dibujo que le dedica el Museo de Arte Moderno de París Durante 1976, producto de variadas influencias como el recuerdo de ancestros catalanes por vía materna, una quema de brujas en la España del siglo XVII, así como sus correrías por los barrios gótico y chino de Barcelona y el de Malasana en Madrid, son las suites gráficas Catalana (1981), Vasca -llamada también Intolerancia- (1983) y Madrileña (1987). En ellas, su afición por lo grotesco cobra forma mediante el tenebrismo y en especial lo esperpéntico, tan propios de la tradición española.
La década de los 90 se caracteriza por un significativo incremento de su actividad escultórica, con bronces de diversos tómanos  entre las que sobresale La Giganta (1991), espectacular pieza que ejemplifica la dualidad masculino- femenina, realizada especialmente para el patio del Museo Jose Luis Cuevas (1992), en el que se aloja la colección de arte latinoamericano contemporáneo y europeo (foto-tipos de dibujos originales de Rembrandt y dos series gráficas de Pablo Picasso) donada por el artista y su esposa para ser exhibida en el viejo convento de Santa Inés, original del siglo XVII, ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Retoma la influencia española -inspirada ahora en la cultura popular de Andalucía y en la lectura de las Soledades de Góngora- para realizar los dibujos de la Suite Andaluza (1993) durante una estadía de varios meses en Sevilla, ciudad que junto a París y la yucateca Mérida -tierra natal de su madre- figuran entre sus preferidas.
José Luis Cuevas se da a conocer internacionalmente muy joven al exponer en Washington, D. C. (1954), en París al año siguiente. Pablo Picasso adquiere dos de sus dibujos. Inicia así una amplísima trayectoria que comprende hasta ahora cientos de exposiciones individuales y colectivas en galerías, museos y ferias de arte de las principales ciudades del mundo.
Ha sido merecedor de importantes galardones y distinciones como el Primer Premio Internacional de Dibujo en la V Bienal de Sao Paulo (1959), el Primer Premio Internacional de Grabado en la I Trienal de Nueva Dehli (1968), el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México (1981), el Premio Internacional del Consejo Mundial de Grabado, en San Francisco (1984).La Reina Sofia de España le entrega el Premio "Tomáis Francisco Prieto", durante el acto inaugural de la muestra retrospectiva gráfica que le dedica el Museo Casa de la Moneda de Madrid (1997). Recibe la Orden de Caballero de las Artes y de las Letras de la República Francesa (1991). Ingresa la Sistema Nacional de Creadores como Creador Emérito (1993). Huésped de Honor en las principales ciudades mexicanas así como en Man agua  Granada y León de Nicaragua (1993), y en Buenos Aires (1994). En ocasión de su nombramiento como Artista de la Ciudad por el Gobierno del Distrito Federal, se realizan diversos eventos en torno a su figura, culminando con la inauguración en el museo que lleva su nombre de la exposición Jose Luis Cuevas.
Al tiempo que su retrospectiva gráfica se presentaba en Madrid, a principios de 1998, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica una gran retrospectiva de dibujo a la que el artista agrega la serie de pequeñas esculturas llamada Animales impuros, inspirada en el poemario del mismo nombre, original del escritor vanguardista español José-Miguel Ullán. Durante una breve estadía en Madrid a fines de ese año entrega a la soberana española una medalla de oro por él diseñada a la que llama Maestro Antiguo, en honor de Tomás Francisco Prieto, Grabador Real del monarca ilustrado Carlos III de España. Despide el año inaugurando en el Museo José Luis Cuevas la exposición Animales impuros, Obra Reciente: cerámica y escultura, en la que muestra su gran versatilidad formal agregando a los bronces de pequeño formato cien placas al relieve trabajadas en barro horneado a elevadas temperaturas
Vigoroso polemista, ha dictado numerosas conferencias en las que vierte su vasta cultura plástica, literaria y cinematográfica. Como escritor a destacado cultivando el periodismo autobiográfico para el suplemento dominical El Búho de Excélsior con la columna Cuevario (1985-1998). Con la extinción de dicho suplemento, su columna comienza a aparecer en el periódico, El Universal. Es autor de varios libros autobiográficos, el más reciente titulado Gato macho (1994), que contiene una extensa selección de esas aportaciones periodísticas.
Mediante su inconfundible y devastadora línea, el gran dibujante desnuda no sólo las almas sino también los cuerpos de sus personajes, reflejando en ellos las constantes que han marcado su estilo: enfermedad, vejez y muerte por lo que toca a la descomposición carnal; otra podredumbre -de índole moral- la retrata recurriendo a la prostitución y el despotismo. Para entender toda esa magnificación de la degradación humana habría que remitirse a la infancia del artista, que transcurre en un entorno de seres marginados habitantes del viejo centro de su ciudad natal; personajes que buscará reiteradamente incursionando por los "barrios bravos " de Madrid, Tánger, Nueva York, Hamburgo y tantas otras urbes, con lo cual se convierte en un relator gráfico de la soledad y angustia que acompañan al hombre en los grandes conglomerados urbanos. Por tanto, hay que apreciar su obra siempre mediante el hilo conductor de la carne: aquella de hospital, de morgue, de burdel, pero también la del goce íntimo que el erotismo representa en su obra como cotidiano ritual a través del cual es posible advertir su obsesiva y profunda meditación sobre el paso del tiempo y la muerte.

Silvia Pinal

Nombre completo:	Silvia Pinal Hidalgo
Lugar de nacimiento:	Guay mas, Sonora, México
Fecha de nacimiento:	12 de septiembre de 1931

 Silvia Pinal pertenecía a la segunda y más versátil generación de estrellas de su tiempo, cuyo registro histriónico no se limitaba a un solo género dramático. Junto con Marga López, Pedro Infante, Silvia Derbez y otros, la Pinal se desenvolvía como pez en el agua, lo mismo en comedias rancheras que en melodramas urbanos, ya fuese interpretando a rubias "peligrosas" o a morenas con trenzas. Fue una digna contraparte de Cantinflas en Puerta, joven (1949) y de Tin Tan en El rey del barrio (1949) antes de ganar un Ariel por coactuación en Un rincón cerca del cielo (1952). Un extraño en la escalera (1954), al lado de Arturo de Córdova, la convirtió en la estrella favorita del público de los cincuenta. Casi al terminar la década, la actriz recibiría dos Arieles más por sus actuaciones estelares en Locura pasional (1955) y La dulce enemiga (1956).
Si la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas no hubiese descontinuado su premiación durante 14 años, es muy probable que Silvia Pinal se hubiese convertido en la actriz con más premios Ariel de la historia. Tres de sus mejores interpretaciones se sucedieron entre 1961 y 1965, cuando su segundo esposo -el comerciante convertido en productor Gustavo Alatriste- le regaló uno de los mejores obsequios que una actriz podría recibir: ser dirigida por Luis Buñuel. El realizador aragonés encontró en Silvia Pinal a la mejor intérprete que Viridiana (1961) pudiese tener y consolidó esta fructífera relación con otros dos filmes memorables: El ángel exterminador (1962) y Simón del desierto (1964).
Los sesenta fueron la década de las comedias sofisticadas, la música, los programas de televisión y el matrimonio con el cantante Enrique Guzmán. Sus indiscutibles dotes para la comedia fina pudieron apreciarse en el episodio "Divertimento" de Juego peligroso (Jôgo perigoso) (1966) de Luis Alcoriza, en el episodio "La insaciable" de El cuerpazo del delito (1968) o en La hermana trinquete (1969). En estas y otras divertidas comedias de los sesenta, Silvia Pinal caracterizó a vividoras mundanas y sexys con un gran sentido del humor.
Alejada del cine a mediados de los setenta, la Pinal se dedicó en cuerpo y alma al teatro de comedia musical y a la televisión. Un breve retorno en 1977, con dos proyectos ambiciosos pero fallidos, la hicieron desistir de regresar a una industria que había perdido por completo el encanto de otras épocas. De ahí que la actriz prefiriese continuar su carrera fílmica en España y Argentina antes de detenerla por completo durante una década.

Francisco Toledo, un pintor orgullosamente oaxaqueño

Por: Samuel Arroyo, 18 de Julio 2012

El estado de Oaxaca ha sido cuna de muchos de los personajes que han marcado el rumbo de la historia de México. Políticos, escritores y, por supuesto, aristas pictóricos. Francisco Toledo, pintor, nacido en Juchitán el 17 de julio de 1940, es una muestra clara de lo que este maravilloso estado ha producido.

Francisco Toledo, a 72 años de su nacimiento, a pesar de codearse con los grandes monstruos del arte mexicano del siglo XX, aún conserva la humildad y la mirada tranquila de los zapotecos. Un hombre sencillo, callado, retraído, de vestir ligero con ropa típica de manta y algodón, huaraches, cabello largo ondulado, ligeramente despeinado, las manos en sus bolsillos y la vista fija hacia un mundo mágico que sólo él conoce y se reserva para expresarlo en cada uno de sus cuadros.

Actualmente, Francisco Toledo es considerado como el mejor pintor mexicano vivo, y su obra está cotizada entre las más caras de Latinoamérica. Cuenta con un gran número de reconocimientos y premios a lo largo de su carrera. Sin duda un hombre que trascenderá la historia por su obra y por su personalidad. Es por eso que en Garuyo rendimos un modesto homenaje al pintor oaxaqueño.

 Javier Marín y el Bronce

Ahora que regresé a la universidad, después de “las vacaciones”; me encuentro con unas piezas de un escultor mexicano llamado Javier Marín. Antes de esto, era completamente desconocido para mí tanto él y su obra; dejándome la reflexión de que los talentos reales llegan a ser más conocidos y reconocidos fuera de nuestro país, algo lamentable ¿no?

Sobre Marín

Javier Marín nació en México, en Uruapan Michoacán en el año 1962. Vive y trabaja en la Ciudad de México. Desde 1983 ha presentado más de 50 exposiciones individuales y ha participado en más de doscientas exposiciones colectivas en espacios importantes en México, Estados Unidos, Canadá y varios países de Centroamérica, Sudamérica, Asia y Europa.

Sobre su obra

Su obra trata temas y aspectos universales con otros propiamente mexicanos, de corte prehispánico; pero siempre con una visión muy personal, y siempre, también, representando la figura humana. Ha empleado distintos materiales. En un principio empleó exclusivamente barro; después trabajó sus obras en bronce, y en los últimos años ha empleado resina poliéster.

La técnica de las esculturas en bronce

En sus esculturas en bronce utiliza una técnica llamada Bronce a la Cera Perdida. Este proceso sirve para obtener figuras de metal por medio de un molde elaborado a partir de un prototipo moldeado en cera; actualmente existen materiales que pueden sustituir a la cera como lo son la parafina, la gelatina, el látex o la silicona. Este modelo es recubierto de una capa gruesa de material blando que se solidifica; ya endurecido, se mete en un horno para que se derrita la cera por unos orificios hechos para ello. Posteriormente se inyecta el metal fundido, que adopta la forma exacta del modelo. La pieza se extrae rompiendo el molde y finalmente se le dan los acabados.

Apreciación personal

Su obra está llena de significados, creo que nada esta dejado al azar y que cada aspecto, desde el material, el desnudo, las poses, las expresiones; nos inundan de mensajes. No es escandaloso el desnudo en sí, ni mucho menos las poses sugerentes en los hombres y algo “pícaras” en las mujeres… lo que realmente proyecta y me causa encajar las ideas son las expresiones faciales y su “hechura”.
Son como cuerpos deteriorados por el tiempo (que a su vez quieren prolongar su existencia, refiriéndome al material usado), como seres humanos que han luchado y su estado actual es parte el resultado de toda esa lucha en la que han estado: llamada vida.

Algo interesante es que a pesar de que Javier pareciera imitar esculturas clásicas, de obras grandes y conocidos autores (no sé, Miguel Ángel, Bernini por ejemplo) pero de una forma más “tosca”, más “descuidada”… pienso que es a propósito, pero que quieren mostrar el lado crudo, el lado “oscuro”, el lado real de nuestro tiempo y su estado de “no terminado aún” me sugiere algo así como: “Estos hombres y mujeres que han luchado, que han sido víctimas, que han triunfado, que están agotados, que siguen de pie… siguen, y siguen lo que han hecho siempre: seguir luchando, pues no han terminado su labor aún”

Javier era completamente desconocido para mi, un paisano Mexicano que descubro es famoso… incluso creo que es más famoso fuera de México. En general me parece interesante su obra y más por la investigación “superficial” que realicé sobre el proceso que utiliza… es realmente complicado y requiere mucha práctica, mucho tiempo y esto dejando incluso de lado la habilidad para proyectar lo que se desea.

Sylvie Reynaud

Estudia Ballet en la Academia de la Danza Mexicana, de donde se gradúa como bailarina ejecutante, siendo sus maestros: Carlos López, Sonia Castañeda, Socorro Bastida Madame Dambré y Michael Lland entre otros. En 1968 colabora con el Ballet Clásico de México, en la gira a Atenas, Grecia, con motivo de la Olimpiada Cultural. Participa también con el Ballet del Siglo XX en la Novena Sinfonía de Beethoven, en el Palacio de los Deportes en México D.F.

En 1969 recibe una Beca de Maurice Béjart para ir a Estudiar a Bruselas, Bélgica. Del año 1970-1973 forma parte del Ballet Clásico de México, Bajo la Dirección del Maestro Felipe Segura.
En 1973 fue contratada por El London Festival Ballet como Corifeo y realizó giras por Inglaterra, Francia, Italia y Suiza. Bailando tanto Ballets tradicionales ( El Lago de los Cisnes, Cascanueces, La Bella Durmiente, La Cenicienta), como en Ballets Contemporáneos, con los Coreógrafos, Beryl Grey, Ben Stevenson, Anthony Tudor y Barry Moreland.
En 1975 fue contratada por el "Opernhaus Graz" de Austria, con la categoría de Solista.
El Coreógrafo Waclaw Orlikowsky creó dos Obras para ella, "Juego de Cartas" y "Opernball" en 1977 la nombraron Primera Bailarina e hizo giras por Austria, Hungria y Luxenburgo.
Asimismo participó en los Festivales de Bregenz y Salzburgo.
En 1977-1978 participó en la Temporada de Otoño de la Compañía Nacional de Danza, en El Palacio de Bellas Artes, bailando "Reina de Willis" en El Ballet "Giselle", y el Pas de Deux de "Cascanueces" como bailarina invitada. También participa en el Festival de Música y Danza de Monterrey, Nuevo León.
En 1978 baila con El Ballet Nacional de Cuba, el 2do Acto de "El Lago de los Cisnes" en la Habana, Cuba.
1978-1980 fue invitada a bailar en el Festival de Ballet de La Habana, Cuba.
En el año de 1979 fue nombrada Primera Bailarina de La Compañía Nacional de Danza. De 1979-1993 baila con La Compañía Nacional de Danza todo el Repertorio Clásico y Obras Contemporáneas.
En 1990 recibe el premio de la Revista "Claridades" a la mejor bailarina del año por su interpretación del Ballet "Coppelia".
1991-1993 fue invitada a bailar con El Ballet del Paso, Texas y por El Ballet de Corpus Christi, también bailó con El Ballet de Cámara de Campeche donde impartió cursos de Ballet y Repertorio Clásico.
En 1993 se retiró de los escenarios bailando "Giselle" en el Palacio de Bellas Artes, recibiendo ese día la Medalla Bellas Artes, máximo reconocimiento a los artistas mexicanos.
En 1993 comienza su carrera como Maestra de Ballet, e inicia los trámites para ingresar a la "Royal Academy of Dance" de Londres, Inglaterra.
1994 fue invitada al entonces recién inaugurado Centro Nacional de las Artes a impartir un curso de Repertorio Clásico. y fue Maestra Ensayadora en el primer Concurso Nacional de Ballet de Guadalajara, Jalisco.
En 1997 fue Jurado en el 3er Concurso Nacional Infantil y Juvenil realizado en el Distrito Federal.
En 1994-2008 es maestra de Ballet, en el "Ballet Teatro del Espacio"
En 1996-2008 recibe su Titulo de Maestra de Ballet de la "Royal Academy of Dance" y desde entonces se dedica a la enseñanza de la Danza en su propia Escuela.



Luís Barragán. Nació en 1902 en Guadalajara, Jalisco. Fue uno de los arquitectos más importantes del siglo XX y el único mexicano en obtener el Premio Pritzker, en 1980. Su gran influencia sobre la modernidad mexicana aún es vigente, por lo que maestros de todo el mundo continúan estudiando su obra. Su trabajo combina el misticismo religioso con sus deseos de rescatar las raíces nacionales, exaltando la belleza al integrarla con la naturaleza.
Con esta filosofía creó construcciones masivas, de muros muy gruesos y aberturas pequeñas, siempre utilizando texturas locales y colores brillantes, utilizando cuerpos de agua y enfatizando los jardines.
En 1947 construyó su propia casa donde manifiesta plenamente su lenguaje arquitectónico, por lo que fue declarada Patrimonio de la Humanidad en el año 2004. En 1955 restauró el Convento de las Capuchinas Sacramentarias en Tlalpan y en 1957 realizó el proyecto de escultura urbana de las Torres de Satélite.
Alcanzó fama mundial en 1976 a través de la muestra The Architecture of Luis Barragan exhibida en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, por lo que obtuvo el premio nacional de arquitectura.

Juan O'Gorman nació en la Ciudad de México en 1905. Hijo de padre irlandés y madre mexicana, se graduó de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Nacional de México. Se apegó a una filosofía de socialismo progresivo que reflejaba en sus construcciones, produciendo los primeros ejemplos de arquitectura funcionalista en el país. Posteriormente, desencantado por el funcionalismo, temporalmente abandonó la arquitectura para dedicarse a la pintura mural.
A principios de la década de 1950, inspirado por el trabajo de Frank Lloyd Wright se unió al movimiento orgánico en la arquitectura, integrando formas vernáculas con arreglos estructurales modernistas para crear obras con alto valor social y ambiental.
Entre sus grandes proyectos más celebrados destacan el edificio del Banco de México, la urbanización del Pedregal de San Ángel, la casa estudio de Diego Rivera y Frida Kahlo y escuelas primarias en la Ciudad de México.
Mundialmente es reconocido como pintor por haber creado los murales que recubren la Biblioteca Central de la UNAM, los murales del Museo Nacional de Historia en el Castillo de Chapultepec y en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México.

Mario Pani nació en 1911 en la Ciudad de México, dejando un sello inconfundible en las innovaciones arquitectónicas del siglo XX. Su gran inventiva y convicción le lograron un lugar indiscutible en la historia del país, construyendo el primer multifamiliar y la primera ciudad satélite de México. Pani estudió en Italia y Francia, concluyendo la carrera de arquitectura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París.
Fue fundador del Colegio de Arquitectos de México y la Revista Arquitectura, la cual se publicó durante más de cuarenta años con una gran influencia en la arquitectura mexicana del siglo XX. Es el autor de gran parte de la fisonomía de la Ciudad de México, construyendo la Ciudad Universitaria de la UNAM, el Conjunto Urbano Nonoalco Tlatelolco y el Conservatorio Nacional de Música.
Entre sus decenas de construcciones destacan el Aeropuerto Internacional y el Club de Yates de Acapulco, el Banco Acero de Nuevo León, el Club Venezuela de Caracas y el Palacio Municipal de Nogales en Sonora. Por su invaluable contribución a la entidad estética de México, le fueron otorgados el "Gran Premio de la Academia Nacional de Arquitectura" en 1984 y el "Premio Nacional de las Artes" en 1986, entre muchos otros.

 Desde hace más de 40 años, Carlos Monsiváis (Ciudad de México, 4 mayo de 1938) es al mismo tiempo un referente para acercarse a la cultura popular, del trabajo intelectual y literario en México y el mejor cronista de los cambios sociales y pequeñas conquistas de la sociedad en su camino a la democracia. Sus libros, artículos, ensayos y antologías, que se cuentan por miles, son un pilar fundamental de la literatura mexicana por esa manera única de Monsiváis para construir crónicas.
Monsiváis es un escritor mordaz, que ocupa uno de los lugares más visibles de la intelectualidad mexicana. Estudió en las facultades de Economía y de Filosofía y Letras en la UNAM, donde conoció a quienes serían sus amigos entrañables, con quienes compartiría su vida como ensayista y como periodista cultural: Sergio Pitol, José Emilio Pacheco y Elena Poniatowska.
Luego de un breve paso por la burocracia, Monsiváis comenzó de muy joven a trabajar junto a Fernando Benítez en el suplemento de La Cultura en México, del cual se convertiría en Director General a la salida de Benítez. En otros momentos de su vida, Monsiváis sería cofundador de la revista Nexos y del diario La Jornada; donde publicaría durante muchos años su columna titulada Por mi madre bohemios, desde donde hacía frente a los abusos del gobierno corrupto.
Monsiváis es un autor decisivo en el México del siglo XX y es además su crítico cultural más celebrado. No sólo en México, sino en el resto de América Latina y en importantes sectores de Estados Unidos, Monsiváis tiene un peso único por sus trascendentes análisis de las realidades sociopolíticas del México contemporáneo.
Ampliamente citado por analistas culturales y literarios, Monsiváis es también uno de los críticos más prominentes de literatura y de otros discursos culturales como la fotografía y la pintura. En este ámbito, el prólogo es una especialidad particular suya. Sus publicaciones a lo largo de las últimas cuatro décadas y media en periódicos y revistas, y en un número cada vez mayor de publicaciones periódicas académicas de ambos lados de la frontera Estados Unidos-México, son literalmente innumerables.
En vista del peso acumulativo y de la calidad de sus escritos, Monsiváis ha sido proclamado el portavoz más informado y confiable de México en temas culturales y sociopolíticos, así como uno de los intelectuales más prestigiados de América Latina.
A la luz de lo que es el objeto principal de su producción en curso, hay dos "pruebas" de cultura popular que podrían expresar mejor su estatus cada vez más alto en la escena intelectual mexicana, a lo que un irónico periodista mexicano se ha referido como "la monsivaítis, raro fenómeno de mitificación de un intelectual.Ecléctico en sus gustos, Luis Alfonso lo mismo escuchaba a Stevie Wonder que a Marc Anthony, Michael Jackson y Luis Miguel. Y aunque cantaba mayormente en inglés, encontró su primera gran oportunidad musical cantando en español.
Esa oportunidad le llegó por medio del sello Universal, que vio en Luis Alfonso a un artista natural y accedió sin titubeos a cantar en castellano.
"No iba a decir que no porque quisiera cantar en inglés. Siempre soñé con poder hacerlo en ambos idiomas. Lo que quería era vivir todo lo que estoy viviendo". Afirmó Fonsi^[2]
Luis Alfonso Rodríguez da paso a Luis Fonsi cuando decide iniciar su carrera profesional como cantante y compositor. En 1998, graba su primer disco que titula Comenzaré que fue nominado por "Billboard" en la categoría "artista revelación del año" y consigue situarse en los primeros puestos de las listas de ventas con canciones como Amor de una noche, Si tú quisieras y Perdóname en muchos países de Sudamérica. Después de ese éxito obtenido le otorgan un Disco de Oro, lo que le anima para ponerse a trabajar en su nuevo álbum.
Eterno, que se estrenó en 2000, encuentra el mismo éxito y gran aceptación entre el gran público, sobre todo llevando el sencillo "Imagíname sin ti" a la primera posición del Hot Latín Tracks de Billboard. Luis Fonsi participó en la producción general y en los arreglos y además se estrena como compositor con el tema “Mi sueño”. A menos de un mes de estar en el mercado, Luis recibió un Disco de Oro por las 100.000 copias vendidas de éste álbum. Con este disco se dio a conocer en España. Compuso la canción Volaré con tus alas en honor a su amigo Wilmer Vega, fallecido en un salto de paracaidismo.
Además en el año 2000 Fonsi participó en el Jubileo 2000 donde cantó ante el Papa católico Juan Pablo II. En ese mismo año Ednita Nazario se llevaba un Grammy Latino por una canción compuesta por Fonsi también colaboró en el homenaje a las víctimas del 11 de septiembre “El Último Adiós”, en Casa Blanca, ante el presidente George W. Bush. Este acto conmemorativo, parte de un proyecto benéfico, reunió a algunos de los nombres más importantes de la música hispana para contribuir a la causa en pro de las víctimas de los ataques terroristas del 11 de septiembre.